Arte: Pichinguitos” El arte como memoria y resistencia cultural en Mito Galeano por Salvador Madrid

Pichinguitos” El arte como memoria y resistencia cultural

                       El artista Mito Galeano en un afiche promocional diseñado por Monx, la foto es de Dany Alvarado

Los dibujos de los niños y del artista crean un universo estético maravilloso, prueba de habilidad y de arte comunitario.

Mito Galeano, a través de su arte, dignificó la memoria de los descendientes de los descendientes de los lencas.

Su pintura interroga desde la magia de los relatos de la gente sencilla a ese relato oficialista de la historia; confronta al poder con esa otra belleza que no es pasiva, sino llamado puntual a la resistencia cultural a la que tiene derecho una tierra. Su trabajo ha dado la batalla contra la manipulación o contra la construcción de una falsa identidad nacional bajo la sutileza del deber cívico o de la decadencia del fervor folclórico tan mal entendido e integrado al sistema educativo y al canon cultural. 

Hace unos días Mito Galeano, presentó en la ciudad de Gracias, en el marco del Festival Gracias Convoca, una serie de dibujos que es un adelanto de la exposición en la que ha estado trabajando hace un año: “Pichinguitos”; este sugerente nombre designa una colección de dibujos que se hicieron en la libreta del artista, pasaron al formato virtual y luego se imprimieron. La sencillez, el humor, la versatilidad, la destreza técnica del artista al recrear un universo tan complejo bajo la premisa del dibujo infantil son apenas umbrales a un universo de inagotables significados; un hombre dibujando como un niño, un artista que transforma el dibujo académico y lo impregna de una imaginación que parece improvisada, pero que al verlo con detenimiento nos damos cuenta de los detalles, de la destreza, de su intensión pura que celebra una historia y es la siguiente: estos dibujos tienen su basamento en los dibujos realizados por niños de comunidades rurales a quienes el artista les pidió dibujar las historias que sabían del cacique Lempira, de su comunidad, de la fauna, de las leyendas; luego el artista reprodujo esos dibujos siendo fiel a su origen (es más, algunos son calcados del dibujo original) y enriquecidos con los elementos del imaginario del occidente de Honduras.

"Españolito" dibujo original de un niño del taller impartido por Mito Galeano

Este proceso de arte comunitario es ejemplar, no sólo implica una tarea de desdoblamiento, sino el intento por internarse en un relato infantil acerca de la vida; de nuevo surge Lempira, armado y vivo ante el invasor que es identificado a caballo y con la indumentaria de la conquista, aunque en algunos dibujos el invasor sea un pájaro con uniforme militar. Se resucitan las historias orales y sus personajes fantásticos, además de recrear una lucha entre el bien y el mal, entre los valores de la vida y la sobrevivencia cotidiana en un mundo lleno de retos y calamidades sociales; en cierto modo es la representación estética de un discurso infantil real, esperanzador y soñador, pues en los dibujos claramente se interpreta que gana la celebración al pesimismo y al silencio, la ternura al sufrimiento.

"Españolito" obra del artista Mito Galeano, basada en el dibujo de un niño

Los “Pichinguitos” de Galeano hacen memoria de una tierra, de su gente, de la necesidad, de la belleza y la carencia; pero sobre todo de la imaginación y en este caso la imaginación viene de las niñas y niños que dibujaron estos personajes que sirvieron de boceto y punto de partida para el artista. 

La colección está más lejos de su nombre, encierra un universo de ironías, ternura, sarcasmo y humor; guarda en su centro una visión clara: es una muestra de identidad, una forma autentica de mirar la vida y el mundo. Sin duda la propuesta evolucionará, al muralismo y al animé, además de una segunda serie que ya está sobre la mesa del artista y es trabajar directamente sobre el dibujo de los niños e intervenirlo sutilmente con colores y diseños, un reto mayor, pero de resultados estéticos profundos, totalmente lúdicos, anti formales y desacralizados de todo emparentamiento con alguna naturaleza espontánea de representación.

"Lempira" (de la Colección Pichinguitos de Mito Galeano)

A Galeano hay que reconocerle no sólo su magnífica destreza, sino lo que él representa: un referente de dignidad y de arte revolucionario. Y cuando digo que Mito Galeano es un revolucionario, alejo de esa palabra las mezquindades políticas y pienso en esos espíritus y acciones que proyectan sus vidas más allá de su circunstancia. 

Hace muchos años su ciudad, sus admiradores y sus amigos esperaban una exposición del artista, y es la primera vez que la ciudad de Gracias se dio este lujo, ver una muestra de su mayor artista, el que le ha guardado la memoria, referencia plena de resistencia cultural y del arte que al ser auténtico vitaliza a la historia o llama a la discusión puntual donde la falsedad se desbarata como se desbaratan los falsos dioses que aspiran a multiplicar el odio y la desesperanza.

"Lempira con arco" (de la colección Pichinguitos de Mito Galeano)

Arte surrealista 4 obras de Magritte

Reproducción prohibida (1937)

   En La reproducción prohibida, Magritte, nos presenta a un hombre joven de pie, de espaldas, frente a un espejo que no devuelve su cara sino la repetición de su dorso. Un espejo no posee capacidad de decisión, pero la imagen especular es presencia de un referente que no puede estar ausente. Nuestra vacilación perceptiva frente al cuadro queda paliada con el libro reflejado convencionalmente. Podríamos aducir que este espejo no invierte izquierda y derecha sino frente y dorso, sin embargo, un espejo no invierte nuestra figura, refleja lo que se le muestra. ¿Se tratará, entonces de la misma persona? ¿Es real o virtual?

Como podemos apreciar, la imagen se presenta desde la perspectiva de un tercero, separado del espejismo y el objeto que lo produce. Este observa de manera inquietante el hombre ante el espejo y la fantasmagórica reproducción de su torso, por lo tanto la reproducción del joven no depende ni de la situación ni de su propio cuerpo, depende de la percepción de aquel sujeto inquietante al que llamaremos “tercero”. Su percepción constituye dentro del cuadro la virtualidad real que lo caracteriza, pues de su acto de consciencia nace lo “imposible” que además de nacer como concepto formal se da en el mundo, es decir, supone una realidad creada desde su propio acto de conciencia, donde lo percibido o incluso imaginado aparece como real en su pensamiento y se da como objetivamente verídico en el mundo.

La facultad imaginativa (1948)

   Nos encontramos ante un nido, donde una vela intenta cumplir la función maternofiliar de incubar los huevos presentes en el nido, de manera que los polluelos (en el supuesto de que sean estos) que se encuentran dentro de los huevos creerán a ciencia cierta de que es su madre quien les proporcionar el calor que tanto necesitan.
Esto me conduce a afirmar que no importa, en este caso, de quien proporcione el calor; lo que realmente posee relevancia es la percepción sensatoria del mismo, con lo cual aunque polluelos no conozcan verdaderamente el origen del mismo, se mantendrá en la indubitabilidad de su percepción inmanente y afirmaran una y otra vez, si pudiese, que fuera del caparazón se encuentra su progenitora proporcionándoles el calor que tanto necesitan.
En otras palabras, aunque lo ideado ( el calor) dentro de nuestra idea ( el calor de la madre) no se corresponda con lo dado, posee toda la legitimidad del mundo para ser real, pues lo ideado (la madre) pose formalmente  todo lo necesario para corresponderse con la idea ( el calor de la madre), del mismo que esta posee también toda legitimidad objetiva, es decir la idea posee formalmente todo lo necesario para darse objetivamente en el mundo ( la madre que incuba los huevos).

Golconda (1953); El castillo de los pirineos (1959)

   Magritte en muchos de sus cuadros nos saca a gente con chaqueta y bombín, sin cabeza o tapada, dejandonos ver que el hombre ya no tiene identidad, que el capitalismo esta haciendo que todo sea una producción en masa y en serie, incluso las personas, perdiendo así la identidad y siendo simples mercancias. Este ejemplo se ve en Golconda un cuadro donde salen hombres de chaqueta multiplicados, flotando en el aire con casas iguales a su alrededor.

Al igual que en otros cuadros nos muestra a este hombre capitalista como un trozo de piedra, ya que es igual de frío y duro, y pintándolos en lugares absurdos diciendonos que este hombre capitalista de hoy esta perdido en el universo

La firma en blanco (1965)

   Una mujer cabalga sobre un ágil caballo. La jinete oculta un árbol, y el árbol la oculta a ella, sin embargo podemos afirmar que  nuestro intelecto comprende ambas cosas, lo visible y lo invisible. El pensamiento sabe que un objeto oculta a otro, pero lo ocultado no es en sí mismo invisible porque sigue estando allí, mostrándose, por lo tanto lo invisible no se constata mas allá que siendo visibilidad obstruida, donde detrás del objeto que se superpone, sigue brillando la visibilidad  de otro, un paisaje, un rostro. Si viéramos a través del objeto que oculta, veríamos lo visible que sigue estando presente. El ojo no puede ver a través de la solidez de un objeto, pero eso no quiere decir que, lo que hay detrás no exista, es decir, los fenómenos no precisan de nuestra presencia para acontecer, pero si para ser “objetos”.

En términos kantianos, la visibilidad del los fenómenos que aparecen en el cuadro no dependen de la imagen misma, sino que depende una y exclusivamente del sujeto que la experiencie, que bajo sus condiciones de posibilidad de la experiencia (visión) únicamente capta los fenómenos que se dan  y que posteriormente mediante la deposición de su haber categorial habrá alcanzado la objetividad sobre lo que es visible,  y lo que no dentro del cuadro. Es decir, somos nosotros mismos quienes depositamos sobre el cuadro nuestras categorías vacias de contenido para enjuiciar que es lo visible y que lo invisible, de modo que nuestra certeza jamás superará la objetividad. Con lo cual si es mi visión la que constituye la visibilidad de los objetos y esta la que legitima mi visión, lo invisible e invisible del la obra depende de nuestro acto perceptivo de conciencia.

Siguiendo la lógica de Kant, puede constarse que aunque si podremos constatar la visibilidad o invisibilidad de los objetos del cuadro, jamás podremos captar la visibilidad o invisibilidad, que el cuadro posee, en sí misma.

Fuente: http://obrarenemagritte.blogspot.com/

Arte Andreas Schulze

Andreas Schulze (Alemania, 1955)

Exponente de la pintura y el arte postmoderno y contemporáneo alemán,Andreas Schulze es uno de los artistas más representativos de finales del siglo en el arte de dicho país. Considerado entre muchos críticos y compañeros como un fenómeno del arte, sus comienzos se remontan a la época del auge delNuevo Fauvismo, que hacia 1980 consiguió que renaciera, en recreación visual, la pintura. 

Su prestigio e influencia continúan hasta el presente. Schulze ha desarrollado una visión muy personal de la pintura que, primero codificada y ahora descifrable, continua consecuentemente hasta hoy. Sus cuadros tinen la cualidad de parecer surrealistas. Comienzan en la realidad, con temas y formas sencillas, que continúan en el espacio representado, como si estuvieran dirigidos por un sueño. Motivos como guisantes, balones, autos, se unen a espacios y casas, quedando todo concebido como el gran diseño de un local en el pequeño espacio de una sala de galería. Y es que este artista no se queda en la cualidad bidimensional del cuadro, sino que explora los alrededores a través del manejo de nociones como el diseño.

En sus últimas exposiciones, Schulze ha demostrado las relaciones entre su pintura y una mentalidad burguesa, en realidad, completamente alemana, la cual en parte se refiere a sí mismo y en parte observa a su alrededor. Ejemplo de ello ha sido la concepción de diseño de interiores que han tenido algunas de sus muestras, en las cuales ha concebido, por mencionar una, el mobiliario, laslámparas, la vajilla y los tapices, de manera que se mezclen e interactúen con sus cuadros, en la conformación de un interior completo; así como la consecución de un único motivo, como las marcas con las que ha sido decorada una sopera de porcelana, y el despliegue de estas como la decoración floral de sus cuadros. 

A Schulze le interesa también el discurso sobre la sociedad alemana, la sociedad actual y el carácter efímero de los tiempos, ya sea desde la idea, hasta la visualidad. Para ello modela una ciudad a escala de ferrocarril de juguete, ilustra la ciudad alemana ideal, recrea anuncios luminosos, edificios en ruinas y restaurados del casco antiguo o anuncia la inauguración de una boutique de Prada. Sus trabajos, entre arte y realidad, anticipan los temas centrales abordados por artistas de los ochenta y de los noventa: diseño y vida diaria.

Ha expuesto su trabajo en la Galería Bárbara Gladstone de Nueva York, en elMuseo de Arte Contemporáneo de Sevilla, en el Sprengel Museum de Hanover y en la Galería Monika Sprüth de Colonia. Su obra se puede encontrar en países como Alemania, España, Estados Unidos, Francia y Suiza.

Fuente:http://pintoresuniversales.blogspot.com/

Arte Granz esculturas

Sayaka Ganz / Esculturas de animales con objetos reciclados

ÚLTIMA ACTUALIZACIÓN EL 07 JULIO 2014

ÚLTIMA ACTUALIZACIÓN EL 07 JULIO 2014

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Sayaka Ganz es una escultora japonesa. Nació en Yokohama, Japón y creció viviendo en Japón, Brasil y Hong Kong, en la actualidad vive y trabaja en Fort Wayne, Indiana. 

Ganz mantiene una fuerte influencia japonesa en su trabajo, a pesar de que creció en varios países.  Criada en el shintoísmo japonés, fue educada en la creencia de que todos los objetos y organismos tienen espíritus, y los objetos que son desechados antes del final de su vida útil “lloran por la noche dentro del cubo de la basura”. Estas imágenes pervivieron en su memoria durante el resto de su vida, al igual que la constante necesidad de adaptarse a un nuevo entorno generó un fuerte deseo de integrarse y crear una vida en armonía. Ganz desarrolló su faceta artística, a la que infundió estas creencias, utilizando objetos domésticos reciclados y reclamando como medio para sus esculturas.  Sayuka Ganz cree que la fuerza del artista radica en su capacidad de mostrar lo hermosos que pueden ser estos materiales, y lo que se puede hacer con ellos.

“Yo sólo selecciono los objetos que han sido utilizados y desechados. La finalidad de cada objeto es trascender su origen integrándolo como forma orgánica ó animal vivo en movimiento. Para mí, como artista, este proceso de recuperación y regeneración es liberador. Construyendo estas esculturas me ayuda a entender las situaciones que me rodean. Me recuerda también que si hay un conflicto en este momento, también hay una solución en la que todas las piezas pueden coexistir pacíficamente. A través de mis esculturas transmito un mensaje de esperanza.”

La mayoría de las esculturas recientes de Ganz representan animales en movimiento. Ganz recoge la mayor parte de su material de trabajo de los cubos de basura y tiendas de caridad, el resto es donado por amigos y familiares. Ganz utiliza diversos plásticos desechados, desde cubiertos a gafas de sol y zapatillas, y los clasifica en 20 grupos de colores diferentes. Luego une todas las piezas de plástico a un marco de alambre, hasta que logra dar forma a lo que había imaginado. El tamaño de sus obras oscila entre los 45 cm y los 2,5 m de largo y las más complicadas pueden tener hasta 500 piezas.

Fuente:por Savinio

Creadess http://www.creadess.org/

file:///C:/Users/usuario/Downloads/arteSayaka%20Ganz%20%20%20Esculturas%20de%20animales%20con%20objetos%20reciclados.htm

http://www.aryse.org/sayaka-ganz-esculturas-de-animales-con-objetos-reciclados/

Arte Khalo

Frida Kahlo, lienzos de pasión

Se cumplen 60 años de su muerte y aprovechamos para rememorar la figura y el hechizo de la artista mexicana. Estrella de Diego y Victoria Combalía nos hablan de ella

SAIOA CAMARZANA | 11/07/2014 

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Frida Kahlo

Intentó ahogar sus dolores, pero ellos aprendieron a nadar. Puede que sea una de las citas más representativas y que mejor definen y resumen la vida de Frida Kahlo (Cayoacán 1907 - 1954). Nació en un momento convulso en Cayoacán (México) cuando la ciudadanía pedía profundos cambios sociales. La poliomielitis le acechó cuando tan solo tenía seis años y tuvo que lidiar con los cambios físicos que esta le acuciaba. Finalmente no pudo hacerle frente y ahora que se cumplen 60 años de su muerte rememoramos el hechizo de la pintora mexicana.

La vida de la joven Kahlo dio otro vuelco cuando volviendo a casa en el autobús que le llevaba del colegio les chocó un tranvía. Este accidente le dejó la columna rota en tres partes y pasó un largo periodo de convalecencia teniendo que ser sometida a varias intervenciones quirúrjicas. Tuvo que lidiar con el aburrimiento que le producía estar en la cama sin poder moverse. El corsé de yeso que le pusieron le impedía la movilidad por lo que mandó poner un espejo frente a la cama, desde donde se observaba a sí misma. Ya que su padre era fotógrafo no es de extrañar que desde pequeña estuviera expuesta al mirar que estos artistas cultivan de modo que extrapoló esta sabiduría y su reflejo a un nuevo nivel. Al terreno de la pintura. 

Su trabajo dejaba perplejos a propios y extraños, entre ellos a su marido Diego Rivera, a León Trotski, a André Breton, a Julien Levy. Lo importante de su trabajo es que "quizás es una artista que no está tan considerada como debiera", apunta la investigadora Estrella de Diego. "En general los autorretratos que realiza, así como la serie de su nacimiento son muy impactantes, sorprende que no se le reconozca tanto por sus bestiales pinturas como por su categoría de celebritie", se apena. "Hay una clara referencia al arte popular y su mérito es el hecho de que introduce invenciones a nivel iconológico sobre los problemas femeninos y sobre sí misma", apunta la historiadora Victoria Combalía. 

Kahlo se sumerge en la pintura e intenta ahogar sus penas en los autorretratos, llegando a decir que se pintaba a sí misma porque era la persona a la que mejor conocía. En sus obras se puede observar su más profundo ser, sus sentimientos, pensamientos, lo que le preocupaba. Cada lienzo es una pieza del puzzle que conforma su biografía. "Su main subject es ella misma pero dentro de esta descripción personal es original porque describe no solo sus desgracias sino sus pesares psicológicos", considera Combalía. 

Las dos Fridas

"Lo que tiene de interesante no es el aspecto exótico con el que se ve la figura de Kahlo sino que es una pintora muy preocupada por temas importantes y aporta un tipo de aproximación potente e interesante", opina De Diego. Y es que la joven Kahlo siempre estuvo interesada y ligada a los movimientos sociales que se gestaban en el México de los años 20-30. En el año 1927, exactamente, se une al grupo comunista en el que participaban Tina Modotti, íntima amiga de Diego Rivera, el gran muralista de la época. Ambos serán tan adeptos como críticos con la obra del otro. Se adentra en su pintura para pasar las largas horas en la cama que la tenían inmovilizada y su madre manda fabricar un caballete a tamaño para que no tuviera que moverse de la cama. En un principio comienza decorando su corsé, el aparato que la mantenía erguida, luego dibujaría pequeños lienzos. Más tarde, apoyada y animada por su marido pasa a engendrar su propio estilo: oscuro y personal con raíces en lo popular.

Su obra se puede circunscribir en lo político ya que criticaba la sociedad del momento a través de sus pinturas. En este sentido, su mayor aportación pasa por la "revisión del propio concepto de la subjetividad. Habla de muchos puntos de vista y aporta el concepto de máscara que tiene que ver con su historia personal y el México de los años 20-30, la mexicanidad y el muralismo", explica Estrella de Diego. Y es que la verdad en la que vivían los artistas de la época daba para hablar y criticar a través del arte. En el caso de Kahlo, la invención de la mexicanidad cobra un calibre importante. "Expresa su mexicanidad vistiendo con los trajes típicos y dentro del arte hay una parte muy interesante de ella que es el uso de los exvotos populares, las inscripciones con las que dota a sus obras", explica Combalía. "Le da una vuelta de tuerca y lo convierte en su máscara, su pintura y su personaje. La modernidad a fin de cuentas", concluye De Diego. 

Hacia el año 1938 conoce a André Bretón, líder surrealista, quien cita a Kahlo como una de las grandes surrealistas del momento. Ella, tan suya, tan independiente, tan fuerte, contesta: "Yo no pinto sueños, pinto mi realidad". Asunto zanjado. Pero de esta comunicación llegó a conocer a Julien Levy quien le proporcionaría su primera exposición en Nueva York el año 1939. Poco después aterrizaría en París, convirtiéndose en la primera artista mexicana en exponer en el Louvre. 

¿Qué queda hoy de Frida Kahlo?

El ciervo herido

Sorprende, pues, que los temarios de Historia del Arte no incluyan la obra de Frida Kahlo. A este respecto, opina De Diego que es algo que "pasa con casi todas las mujeres artistas de la historia". El mismo discurso emplea Victoria Combalía, quien hace un paralelismo con Dora Maar, afirmando que ambas quedaron relegadas al estatus de artista de sus maridos. Pero es mucho y, a su vez poco, lo que queda de ella. Por un lado sigue siendo una mujer misteriosa a la que no se ha conocido íntegramente, lo cual contribuye a ese halo de misterio que la sigue. Por el otro, "lo que queda es la popularidad, se convierte en celebritie con una vida fascinante. Kahlo interesaba incluso antes de la película protagonizada por Salma Hayek. Vivió un periodo fascinante en un país increíble", opina De Diego. "Cuando ella vivió tan solo era la mujer de Diego Rivera pero ahora ella es más conocida y en los últimos 20 años hay una fascinación por su personaje", anota Combalía. Y añade que es una leyenda idealizada porque encarna la voluntad de identidad femenina, el aquí estoy yo.

De modo que el personaje eclipsa a la pintora. Ese misticismo profundo que ella misma engendró la llenó de vida a pesar de todos los males que la acecharon. Fue una mujer audaz y valiente y esto se puede ver en uno de los últimos episodios de su vida. Cuando consigue realizar una exposición propia en una galería pero debido a su estado de salud los médicos le aconsejan no moverse de la cama. A lo cual responde apareciendo en la galería en su cama para estupor de todos los medios y asistentes. Colocaron la cama en mitad de la sala y desde un lugar privilegiado, la artista comió, bebió e hizo chistes. 

Y es que Frida Kahlo ha calado en el imaginario no solo mexicano, sino que se ha convertido en la artista latina más laureada. Incluso en el año 2000 la casa de subastas Sotheby's vendió su cuadro Raíces por el precio de 6.000 dólares, convirtiéndose en la obra latina más cara. Kahlo fue una persona sufrida pero su arte ha traspasado todas las puertas y ha llegado al corazón de mucha gente con la profundidad de su pintura y con su manera especial de ver la vida desde la cama, de su propio yo y de su manera de llegar a la gente con esas pinceladas de pasión. 

Pero, ¿qué pensaba ella de la vida? Esta es la respuesta: "Cada tic-tac es un segundo de la vida que pasa, huye, y no se repite. Y hay en ella tanta intensidad, tanto interés, que el problema es sólo saberla vivir. Que cada uno lo resuelva como pueda." 

Fuente http://www.elcultural.es

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